Fünf vor Zwölf

„Alone“ von Bernhard M. Eusterschulte und Carla Jordão am FITZ Stuttgart zeigt Rituelles in der Einsamkeit, forciert aber nichts und lässt Raum für Emotionen.

Weiße Wände an den Seiten, links eine Tür und im Hintergrund ein Herd, rechts ein Fenster, davor ein Tisch mit einem Stuhl. In der Mitte der Bühne ein großer Sessel. Darin sitzt eine alte Frau. Brit Rodemund hockt in diesen Sessel als Mathilde, verschmitzt lächelnd und doch ganz weit weg: Schon das Anfangsbild von „Alone“ erzählt die Geschichte eines Menschen, der in seiner Einsamkeit kleine Rituale entwickelt. Über allem droht eine Uhr im Hintergrund, deren Zeiger auf Fünf vor Zwölf stehengeblieben sind.

Mit solchen visuellen Mitteln arbeiten Bernhard M. Eusterschulte, Autor, Regisseur und Bühnenbildner und Carla Jordão, Choreografin. Sie spiegeln den Alltag einer alten Frau, wobei Brit Rodemund gar nicht so alt ist und das Thema der Einsamkeit nicht nur alte Menschen betrifft. In „Alone“ wird nichts forciert. Geduldig schauen Regie und Choreografie auf die rituellen Abläufe des Alltags: Der Gang zum Herd, das Aufsetzen des Teewassers, das Decken des Tisches, das Anschalten des Radios, das Herrichten des Blumenstraußes. Diese Vorgänge werden in ihrer choreografischen Umsetzung mit Langsamkeit zelebriert. Carla Jordão findet dafür ein genaues Bewegungsrepertoire.

Notwendige Langsamkeit

Über kleine, genau gesetzt Zeichen entstehen Emotionen. Brit Rodemund, die u.a. Tänzerin bei William Forsythe war, setzt jede Geste, jede kleine Bewegung so, dass das Publikum mit Mathilde mitempfindet: da agiert zugleich ein Mensch, der sich in seiner Einsamkeit mit seinen Ritualen eingerichtet hat und doch eine Sehnsucht nach dem Anderen hat. Das wird von Rodemund ganz fein ausgespielt. Regie und Choreografie lassen ihr den Raum zur notwendigen Langsamkeit, sodass in deren Spiel Momente entstehen, die nicht nur von der Sehnsucht nach Liebe erzählen, sondern auch vom Verlust und Erinnerung: Fünf vor Zwölf.

Rodemunds feines Spiel wird eingebunden in der Interaktion mit einer anderen Figur. Diese scheint dem traditionellen japanischen No-Spiel entsprungen zu sein, der Dienerfigur, die den Spielenden ihre Requisiten reicht. Anniek Vetter, eine versierte Figurenspielerin, animiert die von Antje Töpfer gebaute Mannfigur, mit einem markanten Männergesicht und schlaffen Armen und Beinen. Es gelingt Vetter, diese Figur, wenn Mathilde in ihren Erinnerungen versunken scheint, in einem Zustand zwischen realem Sein und Traumvision vorzuführen. Dabei beschränkt sich Vetters Spiel nicht allein auf das Spiel mit der Figur: Wie sie durch den Raum geht und Anweisungen an Mathilde gibt, lässt sie für Momente als Altenpflegerin erscheinen: Alles wirkt flirrend.

Viele Deutungsmöglichkeiten

Zu den Bewegungsmustern, die Jordão entwickelt, hat Roderik Vanderstraeten, eine Musik komponiert, die die Handlungen stützt und Atmosphäre schafft. Den Darstellerinnen wird eine Melodie eingeschrieben, mit der sie sich im Raum bewegen. Es ist zu spüren, dass der Komponist von Anbeginn in den Probenprozess eingebunden war. Besonders deutlich wird es bei einem Tanz, bei dem Mathilde, Vetter und Figur tief in Erinnerungen versunken scheinen: da setzt Vanderstraeten eine Bearbeitung von Gabriel Fauret ein, die in Kontrast zur intimen Szene steht.

Im Verlaufe des Abends ergänzen sich Rodemund und Vetter im Spiel immer mehr. Sie sehen sich mit ihren Pferdeschwanzfrisuren ähnlich: Im Erinnerungsspiel verschiebt sich die Wahrnehmung. Das wirkt berührend. Die Inszenierung von Eusterschulte und Jordão lässt viele Deutungsmöglichkeiten zu. Damit wird Raum für die Emotionen des Publikums geschaffen. Eine starke Aufführung.