Ende gut? Nichts ist gut!

Neues aus der Redaktion: Fischers Streamingwoche: 1.Teil

Die Inkubationszeit des totalen Verbots analoger Live-Kulturerlebnisse ist längst vorbei und es regt sich nervöser Widerstand, alternativ noch eine und noch eine TV-Serie zu gucken. Oder wie das Burgtheater fragt: „Sollen wir Stubenhocker wider Willen nun alle dazu verdammt sein, alte Katastrophenfilme zu schauen, unseren Liebsten auf die Nerven zu gehen oder wie verrückt online zu shoppen? Oder alles gleichzeitig?“ Natürlich nicht. Deswegen will ich schauen, was stattdessen die Aufmerksamkeit lohnen könnte. Von nun an immer freitags richtet sich mein Fokus auf täglich neu aufploppende Online-Lebenszeichen der Theater. Rumorende Kreativität lässt sich halt nur schwer hinter geschlossenen Türen verstecken.
 

Lieblingsvideo vom Regie-Netzwerk
Antje Thoms vom Regie-Netzwerk hat ihr aktuelles Lieblingsvideo einer interaktiven Theaterperformance rumgeschickt, vorbildlich wird darauf geachtet, dass die immersive Begegnung von Künstler und Mitmachzuschauer unter Einhaltung der Vorschriften zur gegenseitigen Isolation stattfindet und nicht mehr als zwei Menschen öffentlich interagieren: Hier gehts zum Video. 

Damit wir wenigstens am Bildschirm mit den Theatern in Verbindung bleiben können, lassen einige Bühnen jeden Tag den digitalen Vorhang hochgehen. Ermöglichen weltweit kostenlosen Zugang zu Aufführungen, der sonst nur den Live-Besuchern vor Ort möglich gewesen wäre. So sind Produktionen zu sehen, von denen man bisher nur gehört oder gelesen hat. Als Augsburger ist es nun  problemlos möglich in Berlin, als Bremer problemlos möglich in München Theater zu gucken. Gemeinsam atmen, niesen, räuspern, stöhnen, klatschen, schlafen kann jeder mit seiner privaten Bezugsgruppe daheim und genießen, das Theatergucken dort auch Zwischenrufe aller Art, eskalierende Debatten, sanftes Betrinken oder Kiffen und Pausemachen, Vorspulen oder Programmwechsel nach Gutdünken erlaubt sind.
 

Thalia Theater Hamburg
„The Rest Is Missing“ heißt das Angebot des Hamburger Thalia Theaters, mit „The Rest“ ist die reale Begegnung mit dem Publikum gemeint. Theater gezeigt wird jeden Abend ab 19 Uhr: vor allem aktuelle Repertoire-Vorstellungen und Aufzeichnungen aus dem reichhaltigen Archiv der Intendanten-Jahre Jürgen Flimms und Ulrich Khuons. Alle Inszenierungen sind nach Veröffentlichung jeweils 24 Stunden online zu sehen sind. Auch die Reihe „Thalia International“ ist auf die digitale Bühne verlegt: Anstelle des geplanten analogen Gastspiels  „Barocco“ am 2. April ist nun eine andere Inszenierung von Kirill Serebrennikov zu sehen, Nicolaj Gogols „Tote Seelen“ aus dem Jahr 2014, Russisch mit englischen Übertiteln, eine vielfach ausgezeichnete Produktion von Serebrennikovs Theaterkollektiv Gogol Center in Moskau, wo die Bühnen auch Corona-bedingt geschlossen sind und das der Regisseur weiterhin nicht verlassen darf. „Tote Seelen“ sei unter anderem reizvoll, weil „alle Rollen von Männern gespielt werden“ und der Abend „als Abbild der herrschenden Verhältnisse zu lesen ist“, heißt es in der „Welt“. Zur digitalen Bühne gehts hier.

Berliner Schaubühne
Die Berliner Schaubühne ermöglicht Begegnungen mit der eigenen, als legendär verehrten  Anfangszeit und zeigt Inszenierungen, die heute in Theatergeschichtsbüchern auftauchen, aber bestenfalls in Ausschnitten bekannt sind. Auch eine prima Chance für einstige Besucher, ihre Erinnerungen zu überprüfen. Am Dienstag, 31. März, 18.30 bis 24 Uhr, stehen „Die Bakchen“ von Euripides auf dem Online-Spielplan, Regie bei dem fast dreieinhalbstündigen Abend führte Klaus Michael Grüber  auf dem Messegelände am Berliner Funkturm, 1974 eingeladen zum Theatertreffen war die Produktion. Mit dabei unter anderem Otto Sander (Teiresias), Peter Fitz (Kadmos), Bruno Ganz (Pentheus) und Edith Clever (Agaue).

Staatsoper Berlin
Ebenfalls in die Historie entführt die Staatsoper Unter Den Linden mit ihren Aufzeichnungen aus dem Repertoire. Natürlich Stardämmerung: Anna Netrebko und Placido Domingo standen erstmals für Verdis „Il trovatore”gemeinsam auf der Bühne, sie als Leonora, er als Luna, und Daniel Barenboim dirigierte. Klingt also alles sehr schön, Regisseur Philip Stölzl setzt dazu sehr schnieke aufs Comicgrelle, sodass auch alles sehr schön aussieht. Die Produktion aus dem Jahr 2013 ist am 1. April zu sehen, ab 12 Uhr und dann 24 Stunden verfügbar unter.

Theater Dortmund
Eine kleine Retrospektive der zehn aufregenden Jahre der Schauspielintendanz Kay Voges spendiert das Theater Dortmund dem geneigten Publikum, im Sommer übernimmt Voges ja das Volkstheater Wien. Derzeit online ist die selbstreflexive, Themen an- und aufreizende Auseinandersetzung mit dem eigenen experimentellen Bühnenschaffen, die auch ein paar Motive aus Tschechows „Die Möwe zitiert: „►PLAY: Möwe | Abriss einer Reise”.

Münchner Kammerspiele
Die Münchner Kammerspiele zeigen heute, 30. März, 18 Uhr (und dann 24 Stunden online), „Das Erbe”, damit jeder mal überprüfen kann, ob der stets bildmächtig prunkende Ersan Mondtag auch ein guter Regisseur für politische Inhalte ist. „Eine Assoziation zum NSU“ lautet ein die Aufführungsästhetik definierender Untertitel der Textcollage von Olga Bach, Florian Seufert und dem Regisseur.

Theater Rampe Stuttgart
Das freie Produktionshaus Theater Rampe in Stuttgart ist eine Topadresse für genreübergreifende  Gemengelagen aus zeitgenössischen Texten und Ästhetiken. 2017 gelangte in der seit Jahren leerstehenden ehemaligen IBM-Unternehmenszentrale das gedankenerfrischend ätzende Stück „How to sell a murder house” zur deutschen Erstaufführung, in dem sich Sibylle Berg über Männer, Firmen- und Geldpolitik amüsiert. Gemeinsam mit der Tanzgruppe Backsteinhaus Produktion entstand ein „getanztes Immobilienportfolio“ für vier Tänzer und vier Schauspieler, Marie Bues und Nicki Liszta zeichnen für Choreographie und Regie verantwortlich, zu sehen ab heute, 30. März, 20 Uhr, für 24 Stunden online.

Berliner Ensemble
Den Auftakt der wöchentlichen Streams des Berliner Ensembles macht der interne Mitschnitt von Michael Thalheimers leidenschaftlich konzentrierter Inszenierung von Bertolt Brechts modellhafter Dramatik in „Der kaukasische Kreidekreis”, die 2017 zur Eröffnung der Intendanz von Oliver Reese ihre Premiere feierte. Die Aufzeichnung ist bis 2. April 2020 im Stream verfügbar.

Theater Nürnberg
Seit Beginn dieser Spielzeit betreibt das Theater Nürnberg mit dem Digitalen Fundus eine Online-Magazin-Plattform für all das, was Theater auch hinter, vor und fern der Bühne zu einem außergewöhnlichen Ort macht. Jetzt wird dort ein Corona-Pausen-Programm kuratiert unter dem Stichwort „Anwesenheitsnotiz”– einer Ode an die Freude wider all die freudlosen Nachrichten ist dort zu lauschen, Tenor Hans Kittelmann hat sich allerdings ein ganz besonderes Instrument genutzt:

Ich bin in meiner chronischen Homeoffice-Quarantäne sehr dankbar für jeden Hinweis auf Theateraktivitäten im Internet, die ich in dieser Rubrik publik machen kann. Teilen Sie mir doch bitte mit, was von wann bis wann online geplant ist oder schon (und bis wann noch) läuft – ich freue mich auf Tipps aller Art, von der Gedichtrezitation über Videobotschaften, Podcasts, Homestorys bis hin zu ästhetisch neuen Formaten, theatralen Experimenten und live übertragenen Premieren sowie komplett gestreamten Produktionen. Einfach eine Mail schreiben an Jens Fischer unter coronatheater@aol.com

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 4: Welt ohne Theater-Tage

Heute ist Welttheatertag. Ehrlich gesagt, wäre uns das fast durchgerutscht; so vielfältig ist die Organisation einer Redaktion im Homeoffice und die Entwicklung neuer, der Krise angemessener Heft- und Onlineformate. Aber wir haben es dank der Kollegen anderer Medien doch noch gemerkt. Dieser weltweite Tag des Theaters wird ziemlich global theaterfrei sein.

Mehr als zwei Menschen sollen sich nicht mehr treffen, das könnte theoretisch immerhin noch für einen deftigen Dialog reichen. Für größere Menschenansammlungen ist aber keinerlei legale Grundlage mehr gegeben, Chöre sind also total unmöglich auf den Bühnen dieser Welt. Und dabei geht es in unserem März-Heft um den Theaterchor, unter dem Motto: Und jetzt alle!

Der Theaterchor ist für mich eine Art Lebensthema, gerade weil ich dieses seltsame Konstrukt bis heute nicht auf einen Nenner bringen kann. Ich verstehe ihn nicht und komme durch ihn doch zu immer neuen Einsichten. Und gerade in der gegenwärtigen, theaterfreien Ausnahmesituation scheint ausgerechnet er mir das adäquate Theatermittel zu sein. Der Chor handelt nicht, sondern reagiert, er steht nicht für den (falsch) handelnden Weltgestalter, sondern ist der Betroffene des Geschehens. Er ist Experte in kontrollierter Atmung und steht für eine solidarische oder gar ideale Gesellschaft.

In seinem wunderbaren poetischen Essay in unserem Chorschwerpunkt schreibt der Dramaturg Alexander Kerlin: „Der Chor ist nichts für Individualisten, die ihre Triebe für ihre Freiheit halten. Der Chor hat keinen Willen, aber wir müssen uns klarmachen, dass das eine Qualität ist. Der Chor kennt seinen Weg, insofern ist er verkörpertes Schicksal.“ Das sind für mich die Worte zum heutigen Welttheatertag.

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 5: Kein Applaus

Mal schwillt er langsam an, mal bricht er sich tobend Bahn. Er kann verhalten sein, wütend oder begeistert, erschlagen oder routiniert und manchmal gar unentschieden. Wer wie ich häufig ins Theater geht (derzeit muss man sagen, ging), kennt Applaus in verschiedensten Formen, mal geordnet und rhythmisch, mal zu früh anbrechend, bisweilen stehend und von Buh- oder Bravo-Rufen begleitet. Immer kollektiv. Ein selbstverständlich gewordenes „Geräusch“, eine gemeinschaftliche Geste, die ich in dieser Zwangstheaterpause vermisse. Für viele meiner Kritikerkollegen und -kolleginnen gehört das Nicht-Klatschen zur Berufsehre. Manche klatschen, aber extra verlangsamt, womöglich als Ausdruck einer besonderen Geringschätzung oder vielleicht als eine Art zur Schau gestellte Zurückhaltung. Ich für meinen Teil muss an dieser Stelle gestehen, dass ich mich an diese „Ehre“ nicht halte. Noch nie gehalten habe. Anerkennung einer Arbeitsleistung (und mit der ist jede, wirklich jede Premiere verbunden) und Bewertung einer künstlerischen Leistung sollte man, davon bin ich überzeugt, voneinander trennen. Gut, auch ich entziehe mich Standing Ovations und jeglichen Ausrufen. Ich habe mein eigenes Klatschtempo entwickelt, das ich für angemessen halte: handfest, aber nicht zu laut, freundlich, aber nicht gewogen – irgendwo zwischen andante und facile. Applauskenner würden diese Nuancen womöglich heraushören.

Im Moment bin zum Nicht-Applaus gezwungen, sind mir praktisch die Hände gebunden. Ich weiß nicht, wann ich das nächste Mal in einem voll besetzten Zuschauerraum sitzen darf, über die Qualität einer Inszenierung oder Choreographie innerlich schon sinnierend, während ich dem Applaus der anderen lausche und selbst den Künstlern auf der Bühne meinen Respekt zolle: mit meinen Händen. Ich bin sicher, es wird mir ein Fest sein.

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 3: Entzugserscheinungen

Das Gute: die ruhigen Abende im Kreise der vierköpfigen Familie, die es normalerweise nie gibt, weil immer mindestens einer, oft ich, unterwegs ist. Spielen, reden, etwas gemeinsam ansehen. Aber etwas stimmt nicht. Macht mich unruhig. Fast schmerzhaft. Vor allem fühle ich mich seltsam unerfüllt.

Die Lösung ist natürlich einfach: Mir fehlt das Theater. Seit mindestens zehn Jahren gehe ich, vom Sommerurlaubsmonat abgesehen, im Schnitt fünf- bis sechsmal monatlich hin und mache das, was ich am liebsten tue und, glaube ich, sehr gut kann: Zuschauen. Seit einigen Jahren sogar beruflich. Das Theater finanziert meinen Lebensunterhalt, es regt mich an, stärkt mich, hält mich wach, wird mir nie langweilig. Eine Stütze im Leben, an die ich mich gewöhnt habe und die mir jetzt furchtbar fehlt. Ich habe förmlich Entzugserscheinungen.

Was jetzt passiert ist, wollte ich am Anfang nicht wahrhaben, ich habe mich sogar ziemlich im Ton vergriffen bei der Kommentierung zu den Schließungen der Bühnen, fast wie ein enttäuschter Liebhaber. Jetzt sind alle Theater zu. Das ist Tatsache und vor allem Konsens. Und  die Bühnen verlagern ihre Aktivitäten notgedrungen in die digitale Welt. Obwohl das Theater doch eigentlich „ein analoger Dinosaurier und Paradiesvogel“ ist, wie der Dramatiker Roland Schimmelpfennig am Samstag, 21.3. in der Süddeutschen Zeitung geschrieben hat, „gleichzeitig charmant, ruppig, schlecht erzogen, eitel, manchmal aufgeblasen und hohl, bisweilen aber auch erschreckend aufrichtig und ehrlich und notwendig, in seiner grundsätzlichen Anlage very old school, oft aber auch maßgeblich beteiligt an der permanenten Weiterfindung der Moderne.“

Roland Schimmelpfennig beschreibt  da genau mein Theater, das, das immer live ist, meistens Kunst, immer Kommunikation, immer sozialer Raum in Echtzeit. Schon jetzt macht das Nichtstattfinden von Theater vielen Menschen klar, was fehlt. Dass es sich hier keinesfalls um ein verzichtbares Luxusgut handelt. Auch, oder gerade, weil die großen und kleinen Bühnen und Theaterhäuser sich in dieser Krise als Kraftwerke der Kreativität erweisen und bewähren. Einige, wie die Bühnen Krefeld und Mönchengladbach (auf dem Foto das von Andreas Bischof fotografierte Bühnenbild von Tatjana Ivschina zu „Rusalka“am Theater Krefeld) haben noch Premieren fast unter Ausschluss der Öffentlichkeit herausgebracht und zum Streaming angeboten, auch um für sich eine Zäsur zu schaffen, die Katastrophe aushalten zu können, ihr eine Illusion von Disponierbarkeit zu verpassen, von der aus sie sich leichter ertragen lässt.  Jetzt häufen sich seit Tagen vielfältigste Streaming-Angebote aus nahezu jedem Haus.

Da gibt es (fast) alles, von historischen Großtaten wie Inszenierungen von Stein und Grüber an der Schaubühne über Puppenspielvideos mit der ganzen Familie des jeweiligen Puppenspieles, großflächige Konzerte und Kleinst-Improvisationen bis zu einem gewaltigen Filmprojekt des Theaters Oberhausen: Da geht der Regisseur Bert Zander Camus‘ „Die Pest“ an, als Theaterfilm „mit größtmöglichem Abstand“ und „unter Einhaltung des Kontaktverbotes“, aber unter Einbeziehung Oberhausener Bürgerinnen und Bürger. Vieles von all dem wird von Menschen produziert, die ihre Kreativität weiter zur Verfügung stellen, obwohl sie im Moment nicht wissen, wie sie daraus ihren Lebensunterhalt bestreiten können, manche nicht mal, wie sie ab April die Miete zahlen sollen. Wir alle müssen an sie denken und etwas tun, dass sie dem sozialen Raum Theater erhalten bleiben, dessen stärkste Säulen sie sind.

Und dann, als sei das Ende der Katastrophe schon fast sichtbar, recken gar nicht so wenige Theater,  tief getroffen, aber nach außen unbeeindruckt, ihre Nase in den Wind und kündigen das Weitermachen an. So hat gestern die Komische Oper in Berlin ihr Programm für die Saison 2020/2021 vorgestellt, mit neun Premieren und folgendem Schlusswort des Intendanten Barrie Kosky: „Die Show muss weitergehen! – Das gilt im Theater als ein fast ehernes Gesetz. Im Augenblick jedoch ist genau das unmöglich. Aber wir können uns mit all unserer Kraft zurufen: Die Show wird weitergehen!“

Es wird so sein. Natürlich. Wann auch immer. Und das Theater wird verändert sein. Wie alles drumherum auch. Natürlich?

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 2: Hörtheater

Die Theater streamen, was das Zeug hält, und das ist natürlich auch richtig. Doch, ehrlich gesagt, ich komme kaum dazu, mir etwas davon anzusehen. Unser Heft und unsere Homepage müssen neu justiert werden, das nächste Heft der jungen bühne umgebaut, die Aufarbeitung der Werkstatistikdaten für die (noch voll ausgespielte) Saison 2018/19 geht gerade in die Schlussphase. Und wie sieht es aus mit den Anzeigen, warum funktioniert heute die Telefonkonferenz nicht, welche freien Mitarbeiter brauchen besonders dringend einen Auftrag? Wie kann überhaupt das nächste Heft ohne Kritiken aussehen, wie lange wird die Pause gehen und welche Zukunft hat das soziale Konzept Theater ganz grundsätzlich?

Vielleicht ist es aber nicht nur der Zeitmangel – allerdings sind auch die Kinder rund um die Uhr zuhause und tatsächlich genieße ich das intensive Zusammensein (bislang) mit Lesen, Turnen, Spazierengehen, Essen, Backen und Reden aus vollen Zügen -, vielleicht glaube ich auch nicht (mehr) so ganz an das Konzept eines digitalen Theaters. Ich bin davon überzeugt, dass die Corona-Krise das Arbeitsleben in Richtung zu mehr digitalen Arbeits- und Kommunikationsformen beschleunigen wird. Dass die Zukunft des Theaters im social distancing liegen kann, kann ich mir dagegen nicht vorstellen.

Ein Hörvideo hat mich heute morgen aber dann doch sehr begeistert. Anlässlich von Friedrich Hölderlins 250. Geburtstag am 20. März hat das Hamburger Thalia Theater eine kurze, improvisiert wirkende Lesung Jens Harzers aus „Hyperion“ eingestellt: „… eine Nacht unserer Seele und kein Schimmer eines Sterns…ich sah nun still und einsam vor mich hin…die Menschen, wenn sie mich nicht zwangen sie zu sehen, sah ich nicht…“

Harzers Lesung ist ein Gedicht: Dieser Schauspieler lässt sich ein auf die emotional überquellenden Worte Hölderlins, ohne sich selbstverliebt davon wegtragen zu lassen. Das ist ein großes Hörtheater.

Der humanistisch gebildete, weitblickende und zugleich schmerzaffine, pathetische Dichter Friedrich Hölderlin ist doch eigentlich der Dichter des Moments. Doch wir sind nicht eingestellt auf ihn und seine Töne. Im Hölderlin-Jubiläumsjahr spielt er als Dichter oder Übersetzer (von Sophokles‘ „Antigone“ und „König Ödipus“) kaum eine Rolle in den Spielplänen der Theater. Wir alle, auch die Theater, sind auf existenzielle Krisen nicht wirklich vorbereitet. Die Klimakrise ist zwar seit einigen Monaten als drängendes politisches Thema in der Theaterwelt angekommen. Das hat aber dann doch – noch – nichts mit schwerer Krankheit und Sterben zu tun. Vor lauter Aktionismus und Engagement auf allen medialen Kanälen, was ich hiermit überhaupt nicht schlecht machen will, hatten wir keine Zeit für Auseinandersetzungen um Leben und Tod. Und nun sind wir gezwungen zum sozialen Fasten. Das ist schwierig, birgt aber vielleicht die Chance, uns auf pathetische Dichtung einzulassen: online und möglichst bald wieder auf den Bühnen oder in alternativen Spielstätten.

Diese künstlerische Auseinandersetzung wiederum kann Kraft geben, für den Umgang mit den - ökonomischen - Unbilden der Gegenwart, für den Blick auf gesellschaftliche Fehl-Entwicklungen im Ganzen, für ein Theater, das dringend gebraucht wird.

Neues aus der Redaktion: Krisentagebuch 1: Mein Theatertag

Streaming und Home Office allüberall

Die tägliche Dosis Theater, wir alle brauchen sie. Genau so nennt das Staatstheater Darmstadt konsequenterweise seinen neuen Videoblog, an dem sich seit gestern zahlreiche Mitarbeiter*innen des Theaters beteiligen und in dem sie nun täglich Einblicke in ihren derzeitigen Arbeitsalltag geben – daheim oder, da, wo es noch geht, im Theater. Nach ein paar ersten Tagen der scheinbaren Ohnmacht, in denen uns Absagen über Absagen erreicht haben, versuchen mehr und mehr Theater, über das Netz ihre Mitmenschen zu erreichen: Vorstellungen werden gestreamt, Künstler beim Text üben daheim gezeigt, Hörspiele, Lesungen angekündigt, und und und. Keine Frage, das alles ersetzt keine Theatervorstellung, keinen Probenbetrieb, nicht den „normalen” Alltag im Theaterleben. Für jene, die jetzt finanziell in existenzielle Bedrängnis geraten, bedeutet dies keine Rettung. Aber die Botschaft, das WIR SIND NOCH DA, WIR MACHEN WEITER, ist wichtig und erbaulich in diesen Tagen - für die Theaterschaffenden genauso wie für das Publikum. Sie zeigt: Wir bleiben eine Gemeinschaft, trotz der Isolation.

Auch wir haben unsere redaktionelle Arbeit überwiegend ins Homeoffice verlagert, nur eine Notbesetzung hält in der Redaktion die Stellung. Auch wir sind plötzlich noch viel mehr auf das Internet angewiesen als bisher schon, und vielleicht plötzlich noch dankbarer für die Möglichkeiten, die es eröffnet. Wie hätte eine solche Situation vor 10 oder 15 Jahren ausgesehen, als Home Office und Theatervideos noch eine Ausnahme waren?

Die tägliche Dosis, auch wir Redakteur*innen brauchen sie. Und werden an dieser Stelle künftig so oft es geht etwas dazu beitragen.

Neues aus der Redaktion: Theatervirus

Liebe Leserinnen und Leser,

das Corona-Virus bringt das gesellschaftliche Leben zum Erliegen und damit auch das Theaterleben. Die Theaterwelt in Deutschland und den Nachbarländern ist zu einer abrupten Unterbrechung der Spielzeit gezwungen. Womöglich werden wir in dieser Saison auch gar keine Premieren oder Aufführungen mehr sehen.
Was in der Schweiz begann und zunächst nur die großen Häuser betraf, erstreckt sich nun auf alle Theater. Gerade kleine Theater ohne oder fast ohne staatliche Unterstützung sind damit in ihrer Existenz bedroht, genauso wie frei schaffende Künstlerinnen und Künstler, aber auch Journalistinnen und Journalisten, desgleichen Gastronomen oder Geschäftsleute.
Auch unsere Redaktion wurde durch den Virus ausgeknockt, in einer Situation, in der wir ohnehin durch zwei längere gesundheitliche Ausfälle von Redakteuren (einer davon ich) mitgenommen waren. Die große Kollegialität und Hilfsbereitschaft in unserem kleinen Team hat in dieser Krisensituation gezeigt, dass durch eine solidarische Grundhaltung auch schwierigste Probleme bewältigt werden können. Ich hoffe, dass diese vor kurzem noch unvorstellbare Gesundheitskrise, die unsere gesamte Gesellschaft lahmlegt, jetzt und womöglich auch in Zukunft den Gemeinschaftssinn aller miteinander stärkt.
Zudem sollten von politischer Verwaltungsseite schnelle und kluge Schritte ergriffen werden, um das wirtschaftliche Überleben aller Häuser, freien Künstlerinnen und Künstler genauso zu sichern wie das von Wirtschaftsunternehmen.
Unsere nächsten Hefte müssen nun weitgehend im miteinander abgestimmten Homeoffice entstehen; wir beraten gerade, welche Artikel  noch kommen sollen, welche Schwerpunktthemen noch angemessen sind.
So ergibt sich eine seltsame Mischung aus Hektik, schnellem Umdenken und Innehalten. Und der Wunsch, dass aus dieser ungeplanten Theaterfastenzeit eine noch bessere Theaterwelt entstehen möge. Wir in der Redaktion der Deutschen Bühne wollen dazu mit unserer Phantasie, Sensibilität und Solidarität unseren Teil dazu beitragen.
Bleiben Sie gesund, kreativ und munter.

Mit freundlichen Grüßen,
Detlev Baur

Neues aus der Redaktion: Theater für die Ohren - noch einmal Bruno Ganz

2011 begegnete Bruno Ganz dem Pianisten Kirill Gerstein, der anregte, gemeinsam „Enoch Arden" von Richard Strauss auf den Balladen-Text von Alfred Lord Tennyson aufzuführen. Ganz überlegte, traf sich mit Gerstein, man merkte, dass man zusammen konnte, suchte nach der richtigen Übersetzung, strich hier ein wenig, verschob dort ein wenig Musik und führte das Stück wirklich gemeinsam auf. 2016 gingen beide dann damit noch ins Aufnahmestudio. Das jetzt veröffentlichte Ergebnis hat Ereignischarakter.

„Enoch Arden" ist ein Melodram. Ein Sprecher spricht zu Klaviermusik, eine zur Entstehungszeit em Ende des 19. Jahrhunderts sehr populäre Vortragsgattung. Der Text erzählt eine Seemannstragödie inklusive Dreiecksgeschichte. Enoch und Philipp lieben Annie. Sie zieht den armen, verwaisten Seemann dem Mühlen-Erben vor und bekommt drei Kinder von ihm. Im Bemühen, seiner Familie etwas zu bieten, verpflichtet sich Enoch auf große Fahrt, erleidet Schiffbruch und überlebt zehn Jahre auf einer einsamen Insel. In der Heimat findet eine langsame, zarte Annäherung zwischen Annie und Philipp statt. Nach langer zeit heiraten sie, Annie wird noch einmal Mutter, die Familie ist glücklich. Enoch wird gerettet, kommt in sein Dorf zurück, sieht das Glück, gibt sich nicht zu erkennen und stirbt. Seine Identität wird offenbar. Und er wird betrauert - in den letzten zwei Sätzen eines sehr langen Gedichts.

Schon die ersten Klaviertöne nehmen gefangen, erzählen vom Meer, aber auch von Ambivalenz: von Mühsal und Schönheit des Lebens. Ganz und Gerstein haben Musik und Text an einigen Stellen entzerrt, sie konzertieren teilweise mit der Stille. Noch einmal tritt die einzigartige Begabung des Sprechers Bruno Ganz zutage. Die Sprache ist geistig durchdrungen, geradezu ausanalysiert, die Syntax wird klar vermittelt. Ganz wirft  keine verführerisch sonoren, emotional geladenen Sprach-Schlingen aus wie die großen britischen Rezitatoren (im Fall von „Enoch Arden“ etwa Claude Rains oder Patrick Stewart), er spricht wie nach innen, scheint in jedem Moment die Geschichte zu reflektieren, in sich nachzuvollziehen. Bei aller Kleinteiligkeit liegt darin etwas Endgültiges, auch, weil er, abgesehen von einer Stelle gegen Ende, nie laut wird. Er erzählt klar, aber voll Mitgefühl, ohne dabei sentimental zu werden. Die Geschichte entfaltet sich organisch, wobei Bruno Ganz nicht, wie seine Vorgänger, von Männern und Frauen erzählt. Er erzählt eine Geschichte über Menschen, imaginiert ein Drama des Menschen an sich. Womit er vermulich nah bei Tennyson ist (und etwas weniger nah bei Richard Strauss). Die Schatten, die auf dem Leben liegen, Armut, Krankheit, erzwungener und freiwilliger Verzicht, breiten sich aus, füllen echtes Pathos, gerade weil Ganz es im oft wie durchscheinenden Sprechen, Gerstein es im flüssigen, impressionistisch weichen Klavierspiel verweigert.

Woher kommt diese ungeheure Sensibiltät? Doch von der Krankheit, von einer Beschäftigung mit dem eigenen Tod, gar einer Ahnung? Oder geraten wir hier in genau jene Sentimentalität, von der Bruno Ganz „Enoch Arden“ freihält, durch seine Lauterkeit, seinen sinnlichen Umgang mit der Sprache, seinen durchgeistigten Umgang mit dem Text?

Ein gültiges Vermächtnis ist diese bei myrios classics erschienene CD in jedem Fall.

Neues aus der Redaktion: Theater für die Ohren - nochmal Offenbach

2019 war Offenbach-Jahr. Der Geburtstag des in Köln geborenen Komponisten, der in Paris mehr oder weniger die Operette an sich erfunden hat, jährte sich zum 200. Mal. Die Feierlichkeiten verliefen jedoch, zumindest in Deutschland, enttäuschend, zumal in Offenbachs Heimatstadt. Da stellte sich gerne mal die Event-Idee vor die Kunst, war vieles zu grob, zu repräsentativ, zu eindeutig gedacht.

Dabei war Jacques Offenbachs Waffe das Florett, nicht der Bihänder. Er unterhielt die Leute, indem er ihnen die Absurdität ihrer Lebensumstände augenzwinkernd aber nie ohne Haltung vorführte. Seine Mittel dabei: eine melodische Fülle, Gespür für Witz und Timing, gekonnter, eleganter Ausdruck von Lebensfreude.

Inzwischen ist das „Offenbach-Jahr“ Geschichte, oder genauer: vom „Beethoven-Jahr“ verschlungen worden. Und kurz danach sind in Deutschland zwei CD-Aufnahmen (natürlich auch zum Streamen) veröffentlicht worden, die Offenbach und seine Musik in ihrer ganzen Schönheit und Besonderheit vorführen, der Kulturgeschichte tatsächlich unbekannte Werke entreißen, und diesen mit der vom Aussterben bedrohten Kunst der subtilen Übertreibung auf wunderbar leichtfüssige Weise gerecht werden, die eine Aufnahme sozusagen im Großen, die andere im Kleinen.

Wie schon gesagt: ein völlig unbekanntes Stück, dazu ein spätes. Die Uraufführung war erst 1878. Die von Offenbach gefundene Form der Opera Bouffe hatte sich als ideale Theaterform für das Zweite Kaiserreich erwiesen und verlor nach dessen Ende schnell an Zulauf und Zustimmung. Offenbach machte für seinen immer häufigeren Misserfolg aber nicht nur die Zeitläufte verantwortlich, sondern vor allem die Ex-Kaiserin Eugénie, ihr Kungeln mit den Siegern, ihren Anspruch einer Art kultureller Bedeutungshoheit und ihr Intrigantentum. Ihr setzte Offenbach mit seinem Dreiakter „Maitre Peronilla" ein so witziges wie galliges Denkmal. Da Eugénie aus Spanien stammte und das spanische Milieu damals in Paris, kurz nach der „Carmen“-Uraufführung ohnehin sehr beliebt war, siedelte Offenbach, der das Libretto selber schrieb, sein Stück in einem spanischen Milieu an. So ließen sich zwei Fliegen mit einer Klappe verspotten.

Léona, die Schwester der Titelfigur, hat Haare auf den Zähnen und will immer alles bestimmen, was letztlich zu einer Bigamie-Situation führt, die nur dadurch geklärt werden kann, dass sie als zweite Braut einspringt und den reichen Alten heiratet, damit die jungen hübschen zusammenbleiben können.

Offenbach hat dafür wunderbar schwerelos komponiert. Nur gelegentlich hüpft das Geschehen momentweise ins Poetische oder Klamaukige, die vielen Ensembles des auf zwei CDs aufgenommenen Dreiakters (hier geht's zum Trailer) ziehen vorbei wie köstliche Pralinés am Gaumen. Markus Poschner und das Orchestre National de France finden stets das richtige Maß in Gestaltung und Begleitung, Effekt und musikalischer Linie, Veronique Gens gibt die Léona in ihren kurzen musikalischen Momenten mit zickiger Grandezza, Tassis Christoyannis und die mit der schönsten Musik geradezu überschüttete Antoinette Dennefeld rücken ihre dem eigenen Spaß verpflichteten und dabei Gutes stiftenden Intrigantenfiguren elegant ins Zentrum.

Diese „Maitre Peronilla“-Aufnahme ist aber vor allem gelungen, weil hier eine Art Lebensthema von Offenbach, seine generelle Zielscheibe mühelos sichtbar gemacht wird: Alle Figuren werden stets Opfer ihrer persönlichen Eitelkeit, lernen im Verlauf mit dieser bewusst umzugehen und drüber zu lachen, über die der anderen naturgemäß viel lieber als über die eigene.

Das alles purzelt in der Aufnahme der Stiftung Palazzetto Bru Zane, die wiederum ein Mitschnitt von Live-Konzerten in Paris ist, wunderbarerweise wie von selber heraus. Ein echtes Vergnügen!

Zweimal das süsse Nichts in Vollendung. Zwei Drei-Personen-Stückchen für Sopran, Tenor und Bariton, die um Katastrophen kreisen, hier die Privatinsolvenz des Tenors, dort die Komplettexplosion der irischen Hauptstadt. Plus Liebe und Eifersucht selbstverständlich. Genauso selbstverständlich wird es nie existenziell. Alles perlt, alles ist Spaß, alles freut sich des Lebens aus jeder Ritze. Und gesungen wird großartig, rau, herzlich und timingsicher von Marc Barrard, der als Bariton die Frau nie kriegt, frisch und besonders im Parlando schwerelos elegant von Magali Léger, einfach nur großartig in seiner Dekadenz mitschwingen lassenden Leichtigkeit vom Tenor Florian Laconi.

Diese Kostbarkeit ist bei cpo in Georgsmarienhütte erschienen, produziert wurde sie aber, tatsächlich, in Köln! Was die kleine Kölner Akademie und ihr aus den USA stammender Dirigent Michael Alexander Willens hier an musikalischer Präzision und unprätentiöser Theaterlust zusammenbringen, hätte dem Kölner Offenbach-Jahr wirklich auf die Sprünge helfen können, wenn man an einem Weg interessiert gewesen wäre, genau diese Stimmung auf breiter Front unter die Leute zu bringen. Womit wir wieder beim Problem des Anfangs wären. Vorbei, vorbei!

Hört Offenbach, schaut ihn euch an. Es lohnt sich! Nicht nur zur Jubiläumszeit, nicht nur an Karneval...