Andere Theatersysteme: Großbritannien

Großbritannien gilt als Vorreiter in der Förderung neuer Dramatik. Während Londons Theaterlandschaft von internationaler Strahlkraft profitiert, kämpfen regionale Bühnen mit knappen Ressourcen und prekären Arbeitsbedingungen – bei gleichzeitig hohem Standard im Bereich Inklusion. Folge vier unserer Reihe Andere Theatersysteme.

Seit Jahrzehnten bestimmt eine starke New-Writing-Kultur das britische Theater, über die viele Theaterautor:innen mit spezifischen Förderprogrammen in der Entwicklung neuer Stücke unterstützt werden. Natürlich sieht man auch Klassiker auf der Bühne, aber in London setzen unter anderem das Royal Court Theatre und das Bush Theatre exklusiv neue Stücke auf den Spielplan, und auch das Almeida Theatre, Hampstead Theatre, Young Vic und Old Vic, Donmar Warehouse oder das National Theatre, um nur ein paar zu nennen, fördern neue Dramatik und zeigen eine beachtliche Zahl an Uraufführungen.

Außerhalb Londons ist das Bild inzwischen etwas anders. Wegen knapper Ressourcen können sich die sogenannten Regional Repertory Theatres, zum Beispiel Birmingham Rep, Nottingham Playhouse oder Salisbury Playhouse, weniger Premieren leisten als früher. Und was auf den Spielplan kommt, ist oft risikoarm: Bei knappen Subventionen müssen die Häuser einen beträchtlichen Teil ihrer Budgets einspielen, Experimente werden aus finanziellen Gründen nur selten gewagt.

Kaum Repertoire und keine festen Verträge

Wie das Birmingham Rep haben manche britischen Bühnen noch das Wort „Repertoire“ im Namen, tatsächlich aber hat das britische Theatersystem seit Jahrzehnten umgestellt auf En-suite-Produktionen. Die raren Ausnahmen sind das National Theatre, das Globe Theatre und die Royal Shakespeare Company (RSC), die Inszenierungen über einen beschränkten Zeitraum im Repertoirebetrieb laufen lassen.

Dass fast alle anderen Häuser en suite spielen, hat zum einen Kostengründe, zum andern trägt es der Tatsache Rechnung, dass in Großbritannien alle Schauspielerinnen und Schauspieler freiberuflich arbeiten. Das einzige Ensemble der Insel leistet sich seit 1999 das kleine schottische Dundee Rep, und bei der Royal Shakespeare Company bekommt man als Teil einer „season“ einen Zweijahresvertrag, am Globe einen Zweistückevertrag über einen Sommer. Ansonsten hangeln sich britische Spieler:innen mithilfe ihrer Agenturen von Vorsprechen zu Vorsprechen, von Job zu Job, sind dafür aber auch flexibel in Theater, Film und Fernsehen unterwegs. Für die Mehrheit im Beruf ein finanziell prekäres Leben, oft unmöglich ohne Nebenjob.

London als Kraftzentrum

Mit pro Jahr drei bis acht Eigenproduktionen, ansonsten mit Koproduktionen und tourenden Inszenierungen – vor allem Sprechtheater und Musicals, seltener Tanz und Oper – versorgen die regionalen Bühnen ihr Umfeld zuverlässig mit kulturellem Input. Trotzdem fällt auf, wie London-zentrisch die britische Theaterlandschaft ist. Alles was sich „in der Region“ bewiesen hat, kommt in die Hauptstadt. Manchmal an subventionierte Theater, manchmal direkt ins West End oder, wie zum Beispiel das Stück „Punch“ von James Graham letztes Jahr, vom Nottingham Playhouse ans Young Vic und von dort nun ins West End.

Der kommerzielle Theatersektor in London ist in seiner Konzentration und wirtschaftlichen Kraft ein Phänomen: Knapp 40 Theater auf wenigen Quadratkilometern sind verantwortlich für eine Bruttowertschöpfung von fast 2,4 Milliarden Pfund. Sie locken Touristen nach London – 2024 besuchten über 17 Millionen Menschen ein West End-Theater – und sind damit ein wichtiger Londoner Wirtschaftsfaktor.

Noch vor zehn Jahren war das Kriterium für einen Einzug ins West End eine interessante, qualitativ hochwertige Inszenierung mit überdurchschnittlich guten Kritiken. Heute sichert man sich ab mit Film- und Fernsehnamen auf der Besetzungsliste. Kaum ein Stück ohne Star. Die Rechnung der Produzenten geht meist auf: So ist eine Inszenierung mit „Breaking Bad“-Protagonist Bryan Cranston oder Hollywoodgröße Susan Sarandon so gut wie ausverkauft, bevor eine einzige Rezension erschienen ist.

Investoren für West End-Produktionen

Da London eine Zehn-Millionen-Stadt ist, die national und international Theaterbesucher anzieht, gibt es genug Publikum nicht nur für kommerzielle, sondern auch für viele öffentlich unterstützte Bühnen. Vom National Theatre bis zu den kleinsten Spielstätten über diversen Pubs, dem sogenannten Londoner Fringe, hat die Hauptstadt insgesamt über 240 Theater. Die Londoner Flagschiff-Pendants zum National Theatre sind für Tanz das international produzierende Sadler’s Wells, für die Oper das Royal Opera House in Covent Garden und bis 2029 noch die English National Opera.

Die West End-Produktionen werden von Investoren finanziert. Für den öffentlich mitgetragenen Sektor läuft es dagegen so: Das britische Kultusministerium gibt Gelder an eine zentrale Behörde, das Arts Council, die diese Unterstützung an die verschiedenen Kunstinstitutionen im Land verteilt. Dem Arts Council England (ACE) stehen für fast 1000 Organisationen, von Museen über Theater bis zu Tanz- und Opernhäusern, rund 750 Millionen Pfund pro Jahr zur Verfügung.

Finanzierung in den Regionen

Schottland, Wales und Nordirland haben ihre eigenen Arts Councils, die vom Prinzip genauso funktionieren und ihre regionalen Theater, Tanzcompagnien und die Opera North, die Welsh National Opera und die Scottish Opera unterstützen. Eine Besonderheit in Schottland: Hier hat man 2003 in Zusammenarbeit mit dem Scottish Arts Council sein eigenes National Theatre of Scotland gegründet, das – ganz anders als die Londoner Institution – in allen schottischen Theatern zu Hause ist und mit Highlands-Touren auch die entferntesten Winkel des Landes erreicht. An der Arts Council-Finanzierung hängen Richtlinien, manchmal im Sinne der Organisation, in manchen Fällen aber auch solche, die Sinnkrisen auslösen: So bedeutet der Beschluss des ACE, die Kultur in Englands Norden stärker zu fördern, dass die English National Opera bis 2029 von London nach Manchester umziehen muss, um ihre Fördergelder nicht zu verlieren.

Neben dem Arts Council haben die meisten größeren Theater als zweites finanzielles Standbein kommunale Förderung, als drittes die Einnahmen aus dem Kartenverkauf. Premierministerin Margaret Thatcher kürzte in ihrer Amtszeit in den 1980erJahren Subventionen radikal mit der Devise, Theater müsse sich selber finanzieren. Tony Blairs New Labour unterstützte die Künste finanziell wieder großzügiger, seitdem wurde in den 14 Jahren unter fortlaufenden konservativen Regierungen aber stetig gespart, sodass die finanzielle Situation vieler britischer Kulturinstitutionen schwierig ist, besonders, wenn wie beim Birmingham Rep 2024 aus lokalem Geldmangel 100 Prozent der kommunalen Förderung gestrichen wurde. Dass die britische Regierung Gelder für ihre Theater als „Subvention“ sieht und nicht als Investition, ist schwer zu verstehen: Der Sektor macht über vier Milliarden Pfund Umsatz pro Jahr, und jedes Pfund aus öffentlicher Hand bringt über elf Pfund zurück in die Staatskasse.

Vorreiter bei Inklusion und Diversität

Im Feld der Inklusivität ist Großbritannien Deutschland um einiges voraus. Bei uns immer noch Besonderheit, auf der Insel Standard: Die Inszenierungen bieten Vorstellungen an, die „audio-described“ sind, also mit gesprochener Beschreibung visueller Elemente für sehbehinderte Menschen, und „signed“, begleitet von Gebärdensprache für taube und schwerhörige Zuschauer. Außerdem gibt es inzwischen auch immer öfter „relaxed performances“ für neurodivergentes Publikum.

Auch in Diversität sind die Briten Vorreiter. 2018 schlug Kwame Kwei-Armah als neuer Intendant des Young Vic Wellen: Er wurde die erste Person of Colour in Leitungsposition bei einer der wichtigsten Hauptstadtbühnen. Inzwischen wird der Prozentsatz an ethnisch diversen Intendant:innen in Großbritannien auf 13 Prozent geschätzt, und 2025 übernahm Indhu Rubasingham die Intendanz am National Theatre, die erste Frau und Person of Colour an der Spitze des größten britischen Theaters. Regional und in London sind über 30 Prozent der Intendanzen in weiblichen Händen, bei Weitem nicht paritätisch, aber schon besser in der Balance als in Deutschland.

Unterschiede zu Deutschland

Unterschiede im Arbeitsalltag gibt es einige: Da in keinen Repertoirebetrieb eingebunden, proben Briten traditionell von 10 bis 18 Uhr mit einer Stunde Mittagspause. Die Arbeit von Inspizienz und Regieassistenz ist in England umgeschichtet auf Stage Manager, die zuerst die Proben begleiten und dann die Vorstellung fahren, also keinen Informationstransfer benötigen, wenn die Bühnenproben beginnen. Britische Theater arbeiten nur mit freiberuflichen Ton- und Lichtdesigner:innen, niemand ist fest an einem Haus.

Und bei Inszenierungen liegt der Fokus immer noch sehr häufig auf dem Text und klarem, nuanciertem Spiel statt auf Regiehandschrift. Einige britische Regisseur:innen arbeiten durchaus in Richtung europäisches Regietheater, aber sie sind rar. Zwar werden internationale Regisseure wie zum Beispiel Ivo van Hove oder Robert Lepage geschätzt, doch im Großen und Ganzen bleiben die Briten ihrer textverbundenen Tradition treu.

Gefragt nach dem Unterschied zwischen deutschem und britischem Theater, sagte vor einigen Jahren der damalige National-Theatre-Intendant Nick Hytner, seine Einschätzung sei, das deutsche Theater habe sich entwickelt aus der Tradition Goethes und Schillers, die mit ihren Dramen auch einen Erziehungsauftrag erfüllen wollten. Die britische Theatertradition fuße auf Shakespeare, und der hätte, um sein Globe Theatre zu füllen, vor allem eins angestrebt: Entertainment.

Das spiegelt sich durchaus heute noch in den regionalen Spielstätten und dem West End. Aber Londons diversifizierte Theaterlandschaft bietet auch Platz für überraschende, spannende Uraufführungen und Autor:innen.

Dieser Artikel ist erschienen in Heft Nr.2/2026.

Über ihre jahrelange Theaterberichterstattung aus Großbritannien in deutschen Publikationen und Regiearbeit im britischen und deutschsprachigen Raum sind Patricia Benecke beide Theatersysteme mit ihren Unterschieden aus der Praxis vertraut.